Zardoz e le comunità del futuro

Zardoz, e le comunità del futuro

 

     Zardoz è un film di fantascienza del 1974 diretto da John_Boorman, con  Sean Connery nel ruolo del protagonista principale, Zed lo Sterminatore, e la splendida Charlotte Rampling nel ruolo di Consuela, la gran sacerdotessa della Casta degli Immortali.

 

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Nell’anno 2293 la Casta degli Immortali vive sigillata entro le barriere impenetrabili del Vortex, amministrato da un possente cervello elettronico, il Tabernacolo, contenuto in un misterioso cristallo dalle infinite capacità riflessive. Il Vortex è una dimensione separata dal mondo esterno, dove vivono i mortali, i “bruti”, schiavizzati e uccisi dagli Sterminatori a cavallo, anch’essi mortali, ma al servizio degli Immortali. Nonostante l’alto sviluppo scientifico e tecnologico, gli Immortali si annoiano: alcuni di loro diventano Apatici, altri Rinnegati, coloro che per qualche gesto di ribellione vengono condannati a un’eterna vecchiaia. Sul mondo esterno domina Zardoz, una enorme maschera di pietra volante, somigliante alla Sfinge de La macchina del tempo o a una scultura dell’isola di Pasqua. Ed è proprio attraverso questa gigantesca testa di pietra che lo Sterminatore Zed (Sean Connery) entra nel Vortex, dopo aver ucciso il “pilota” Arthur Frayn, seminandovi la mortalità attraverso la resurrezione dei desideri e delle passioni, finchè anche il Tabernacolo, il grande cristallo trasparente che presiede all’organizzazione del Vortex, viene distrutto. Riportati alla vita, mortale ma autentica, gli Immortali implorano la morte. Zed e Consuela si accoppiano, generando un figlio, invecchiando e morendo come tutti i mortali.

Zardoz si rifà in parte alla Macchina del tempo, per quanto riguarda la divisione sociale fra Immortali e Bruti (Eloi e Morlocks), anche se rovesciata di segno, e senza viaggio nel tempo (il futuro è già qui). Un altro riferimento è il romanzo Il meraviglioso mago di Oz di L.Frank Baum (da cui il titolo “the wiZARD of OZ”), in cui il Mago di Oz, nella Città di Smeraldo, si presenta a Dorothy, la protagonista, nelle sembianze di una Grande Testa. Ma il film nel suo insieme offre molteplici risvolti e significati già presenti in altri romanzi di fantascienza, come L’alba delle tenebre di Fritz Leiber o Sixth Column di Robert Heinlein e soprattutto, dal punto di vista filosofico, La città e le stelle di Arthur C.Clarke, in cui chiaramente lo scrittore britannico concepisce la Città, Diaspar, come una specie di Eden dove vivono gli Immortali, sotto il controllo costante di un onnipresente calcolatore e dei Banchi della Memoria. Ma la perfezione della sua ingegneria sociale la sta portando all’inerzia, alla decadenza e alla monotonia. Mentre questa vita apparentemente perfetta sta portando la città all’estinzione, si sviluppa un elemento perturbatore, nelle sembianze di Alvin e del Buffone di corte, previsto dagli stessi progettisti della città, grazie al quale la vita si rinnova e Diaspar crolla.

Ma, al di là dei numerosi e complessi riferimenti letterari e filosofici, Zardoz è soprattutto una geniale esperienza visiva e psichedelica, una sorta di Matrix dell’era psichedelica, così come psichedelico e tipicamente controculturale è il tema della rigenerazione vitale per poter progredire oltre la staticità di un sistema perfetto e conchiuso. Tema che nel 1995 verrà ripreso, con accenti diversi, dal romanzo post-cyberpunk di Neal Stephenson, The Diamond Age (L’Era del Diamante, Shake, 1997).

Movimento di rigenerazione che evidentemente coinvolge lo stesso regista e i suoi attori. Sembra infatti che Zardoz nasca all’intersezione di più destini personali in un periodo particolarmente prolifico della fantascienza colta, filosofica e new wave, a partire, non a caso, da alcuni film della Nouvelle Vague (vedi il cortometraggio sperimentale La jetée di Chris Marker, 1962, fonte d’ispirazione per L’esercito delle dodici scimmie di Terry Gilliam del 1995; Agente Lemmy Caution, missione Alphaville di Jean-Luc Godard, 1965; Fahrenheit 451 di Francois Truffaut, 1966). Fino ai film di Stanley Kubrick (Il dottor Stranamore, 1964; 2001: Odissea nello spazio,1968; Arancia meccanica, 1971) o di Andrej Tarkovskij (Solaris 1972; Stalker, 1979).

 

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John Boorman attraversa in quegli anni un periodo sfolgorante della sua carriera di regista, dopo Senza un attimo di tregua, Duello nel Pacifico, Leone l’ultimo, Un tranquillo week-end di paura, film holliwoodiani imperniati sulla socialità e sui comportamenti selvaggi dell’uomo “civile”,  e prima di L’esorcista II: l’eretico (1977), ed Excalibur, una delle riduzioni cinematografiche più riuscite del complesso di leggende di Re Artù e del Ciclo bretone (en passant faccio notare che anche K.W. Jeter, nel romanzo capostipite dello steampunk, La notte dei Morlock, pubblicato nel 1979, riprende in chiave fantascientifica le figure di Merlino, Re Artù e della spada Excalibur; la coincidenza è tanto più significativa in quanto sia Zardoz che il romanzo di Jeter, pur nella loro diversità, si riallacciano alla Macchina del tempo di H.G.Wells).

Nella carriera di Sean Connery, Zardoz si colloca immediatamente dopo la fine del ciclo di James Bond, ruolo da cui cercava di distaccarsi. Così, da agente segreto diventa lo Sterminatore, che riesce a seminare la morte fra gli Immortali grazie al suo sex appeal. E dopo 30 anni lo ritroviamo ancora nelle parti del vecchio cacciatore Allan Quatermain ne La leggenda degli uomini straordinari. Infine, la ventisettenne Charlotte Rampling, già indossatrice e modella, stava vivendo un momento particolarmente felice della sua carriera, da  La caduta degli dei di Luchino Visconti (1969) fino a Il portiere di notte di Liliana Cavani (1974), in ruoli piuttosto controversi  che ne sottolineano la bellezza ambigua.

In conclusione, Zardoz è una delle prime trasposizioni cinematografiche delle ansie legate all’emergere prepotente delle gated communities e delle Common Interest Developments, enclaves high tech per ricchi da cui escludere altri gruppi etnici o sociali anche mediante muri, vigilantes e dispositivi elettronici di sicurezza. La crescente privatizzazione degli spazi pubblici, a scapito dell’interesse generale, aveva già portato, nella California degli anni Settanta, alla privatizzazione del governo locale, quel che nella incipiente subcultura cyberpunk verranno rappresentate come vere e proprie città-stato, e che Neal Stephenson in Snow Crash (1992) definisce “burbclaves”. Né bisogna dimenticare, su un piano in cui fantasia e realtà si mischiano ancora più strettamente, le Experimental Prototype Community of Tomorrow (EPCOT), le comunità del futuro o Disney’s Dream Town progettate da Walt Disney già a metà anni Sessanta  come fusione di pianificazione urbana e ingegneria sociale, con una visione ottimistica e techno-friendly del futuro, enfaticamente basata su “educazione, tecnologia, salute e senso del luogo”: un “mondo più perfetto”, o “un nuovo modello di apartheid urbana”? Qui, come in Zardoz, il cristallo comincia a incrinarsi, e appare il lato oscuro della disgregazione urbana.

 

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Hang music – Klaim e La vita di Adele

 

 

Tempo fa avevo commentato il film La vita di Adele di Abdellatif Kechiche (Palma d’Oro a Cannes 2013) sottolineando fra l’altro i riferimenti e le citazioni narrative (Marivaux), artistiche (Schiele, Klimt) e filosofiche (Sartre), (https://artobjects.wordpress.com/2015/03/01/la-vita-di-adele-exarchopoulos-a-kechiche-2013/), senza dimenticare il fumetto di Julie Maroh Il blu è un colore caldo (2010) cui la sceneggiatura si ispira, sia pure liberamente (https://artobjects.wordpress.com/2015/03/16/il-blu-e-un-colore-caldo-julie-maroh-adele-2/).

Colpevolmente ho trascurato la colonna sonora che non è semplicemente un sottofondo o un commento distratto alle scene, ma ne è parte integrante. Lungo tutto il film i protagonisti si ritrovano ad ascoltare, cantare, danzare e a urlare canzoni, dalle manifestazioni studentesche (On lâche rienHK & Les Saltimbanks) al Gay Pride (Epic – Sandro Silva & Quintino, e altre), dai locali gay alle feste (I Follow Rivers, Lykke Li, WhistleSporto Kantes, etc), fino alla scuola dove Adele insegna, nella scena in cui i bambini danzano in cerchio facendo finta di battere un tamburo (Bonbon – Marlène Ngaro (musica tradizionale della Guinea). Ci sono anche Mozart (al Museo), AC/DC, Johnny Halliday, Billy Joel, ABBA.. Un mix multiculturale, come del resto lo sono i protagonisti, in particolare gli studenti.

Nella scena in cui Adele incrocia per la prima volta Emma, Klaim, un musicista di strada, seduto per terra, batte uno strano strumento a forma di disco volante, che si chiama hang, e che produce questo strano suono, metallico dolce e ammaliante allo stesso tempo, che accompagna lo stato d’animo trasognato di Adele mentre attraversa la piazza cercando di non finire sotto qualche macchina! La stessa musica poi la ritroviamo alla fine del film, ma senza il musicista, quando Adele, vestita di blu, abbandona il vernissage della mostra di Emma, ormai definitivamente legata a Lise.

Lo hang è uno strumento che sembra sintonizzarsi in particolar modo coi luoghi di transito, i cosiddetti non luoghi urbani, strade, piazze, tunnel della metro. E’ uno strumento a percussione composto da due semisfere appiattite in acciaio temperato, ha un diametro di 53 cm e un’altezza di 24 cm, e viene suonato con il polso, il palmo e le dita delle mani. Il primo modello di hang venne messo a punto nel 2000 dai suoi ideatori, due artigiani di Berna (CH), Felix Rohner e Sabina Schärer, proprietari della PANArt, sulla base di una continua ricerca sulle percussioni etniche di mezzo mondo, fra cui in particolare quelli steel pan originari di Trinidad e Tobago. Essendo uno strumento prettamente artigianale, ne sono state realizzate poche centinaia di esemplari. Dal 2009 la PANArt ha cominciato a produrre un’evoluzione dello hang, il gubal, dalle sonorità più calde e profonde, che alcuni considerano complementari allo hang. Sfortunatamente di quest’ultimo è diventato molto difficile acquistarne qualche esemplare. Ci sono strumenti simili, sempre artigianali, ma con sonorità e materiali differenti, che vengono chiamati genericamente handpan : Bellart Bells (ES), Caisa (DE), Halo (USA), Spacedrum (FR), SpB (Russia), Disco Armonico (IT).

Per ulteriori approfondimenti, video, articoli, libri, etc, si può visitare il sito http://panart.ch/en/

 

Il Papa e la parrucchiera (da Below Sea Level, G.Rosi, 2008)

Una ragazza va dalla parrucchiera prima di partire per le vacanze.

La parrucchiera – “Dove andate?”.

“A Roma”.

“Cooosa?? Roma ?? Quella orribile città puzzolente, piove sempre, è sporca, piena di ladri…terribile!!! E come ci andate?”

La ragazza – “Con la Continental…”

“Cooosa?? La Continental??? Sempre in ritardo!! piloti stronzi, hostess cafone…E dove alloggerete?”

“All’Hotel Verdi”.

“Lo conosco! Atroce, pieno di scarafaggi, servizio scadente…E cosa farete?”.

“Cercheremo di avere un’udienza dal Papa…”

La parrucchiera – “Bel coraggio!”.

 

Un mese dopo, la ragazza torna dalla parrucchiera.

La parrucchiera – “Allora, le vacanze?”

La ragazza – “Formidabili! Roma è magnifica! Le persone gentili, bel tempo, la Continental ci ha regalato la prima classe, l’Hotel Verdi era stato appena ristrutturato lussuosamente, camere impeccabili, personale adorabile, cibo delizioso! Vacanze da sogno!”

La parrucchiera – “E il Papa, il Papa l’avete visto?”

La ragazza – “E’ curioso, a San Pietro una guardia svizzera mi si avvicina, e mi dice, il Papa mi ha scelta per la sua udienza straordinaria. Vado, e di colpo chiedo al Papa: “Vostra Eminenza, perchè mi avete scelta?”

E il Papa: “Per sapere chi è quella cogliona che ti ha fatto questa acconciatura di merda!”.

 

 

 

Vabbè, è solo una barzelletta, che forse piacerebbe anche a Papa Bergoglio, e che ho trascritto dal documentario-film di Gianfranco Rosi, Below Sea Level del 2008, girato nel suo stile unico come lo conosciamo anche da altri docu-film come El Sicario Room 164 (2010) e Sacro GRA (2013, Leone d’oro). Below Sea Level è stato girato a Slab City,  un luogo nel deserto a 200 miglia sudest di Los Angeles,  circa 36 metri sotto il livello del mare, ex base militare durante la Seconda Guerra Mondiale, in cui vive una “comune” (o meglio, una non comune) di marginali scappati per un motivo o per un altro dalla “civiltà”. Non una comune di hippies, ma di persone che vogliono “essere lasciate in pace”, e che nel deserto riallacciano relazioni incerte e provvisorie. L’approccio dello sguardo del regista è semplice e nudo, una visione del luogo e dei suoi personaggi che testimoniano essi stessi la vita del posto.

 

https://en.wikipedia.org/wiki/Slab_City

 

La poltrona Djinn (Airborne International) – 2001 Odissea nello spazio

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Nei vecchi film di fantascienza anni ’50 o ’60 del secolo scorso è facile che vi fossero fra l’altro oggetti che anche nel design hanno anticipato oggetti tecnologici effettivamente realizzati qualche decennio dopo, come ad esempio i CD ne La macchina del tempo o i tablet in 2001 Odissea nello spazio. I legali di Samsung hanno allegato una sequenza di quest’ultimo per dimostrare che il design di Galaxy e altri smartphones non è stato copiato da altri, ma esisteva già prima in un’opera di fantasia. In una scena del film, i membri dell’equipaggio guardano un video su una tavoletta dalle dimensioni e dalla forma simili all’iPad (http://www.wired.co.uk/news/archive/2011-08/24/samsung-2001-prior-art)

Più in generale, era l’intero set ad essere avvenirista e modernista, “un parco giochi futuristico”, dallo spazio all’arredamento fino ai costumi disegnati da Hardy Amies:

“Il guardaroba di Kubrick in 2001 rifletteva ancora lo stile slanciato degli abiti che andava nel 1960, come le tute unisex con pantaloni. Quando i personaggi sono nelle stazioni spaziali, invece, i vestiti rispecchiano lo stile classico delle tute spaziali e sono colorate in giallo, blu e rosso luminoso o metalliche.”.

“La science fiction indubbiamente forniva un repertorio iconico e di soluzioni formali ricorrenti nella cultura pop: dalla House of the Future degli Smithson e i progetti del gruppo Archigram al design avveniristico degli anni sessanta (le poltrone Djinn di Olivier Mourgue del 1965, utilizzate tre anni dopo da Stanley Kubrick in 2001: A Space Odyssey, la Globe Chair di Eero Aarnio del 1963, o Visiona 1, l’habitat futuristico presentato da ]oe Colombo alla Fiera di Colonia nel 1969), dalla collezione spaziale del 1964 proposta da André Courrèges o a quella di Pierre Cardin del 1967 fino ai costumi disegnati da Paco Rabanne per quel vero e proprio florilegio di sensibilità pop estremizzate che fu Barbarella di Roger Vadim.”

(Andrea Mecacci, L’estetica del Pop, Donzelli, 2011)

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Fra il racconto La sentinella di Arthur C.Clarke, da cui 2001 è tratto, e la realizzazione del film, intercorre uno spostamento dalla narrazione alla percezione che si traduce in teoria dell’immagine. Kubrick e Clarke collaborarono alla sceneggiatura, anche per quanto riguarda i dettagli scientifici, ma il film è del tutto diverso dal romanzo. Vennero assunti esperti della NASA per quanto riguarda i veicoli spaziali (Frederick Ordway e Harry Lange), ma furono poi lo scenografo Tony Masters e il direttore artistico Ernest Archer a rendere i loro concetti di design una realtà.

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Di questo spostamento “dalla narrazione alla percezione” sono testimoni famose le poltrone Djinn, prodotte dal marchio francese Airborne International, “un modello unico per la sua silhouette originale, ribassata e ondulata”, e avveniristica ancora oggi, del designer francese Olivier Mourgue progettate a partire dal 1963 e poi rese famose dal film. Mourgue chiama la linea di poltrone “Djinn” (Genio) perché, secondo una legenda islamica, rappresenta uno spirito che assume una forma umana o animale ed esercita un’influenza soprannaturale sulle persone.
“Il modello originario ha generato anche, un pouf, un sofà a due posti e un lounge, un ancora più rilassante dormeuse concepito e costruito in modo analogo. La caratteristica principale di quest’ oggetto è il disegno in un pezzo unico che comprende, oltre ai piedi e alla seduta, anche un comodo poggia testa. “.

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“Airborne ha costruito Djinn con un telaio in acciaio, gomma piuma e tessuto jersey stretch.
Un’altra innovazione adottata dal designer, Olivier Mourgue, è il fatto di aver rivestito di tessuto l’ intera forma, battezzando così una moda che caratterizza l’intero design degli anni ’60.”.

(http://www.designmag.it/articolo/poltrona-djinn-originale-e-avveniristica/7735/)

La poltrona Djinn-Airborne divenne un’icona del design futuristico degli anni ’60 proprio grazie al film di Kubrick e al suo “avveniristico hotel a cinque stelle di rotazione nello spazio”.

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L’istanza materna: la poltrona Airborne

…Un tempo le norme morali imponevano all’individuo di adattarsi all’insieme della società, ma questa è l’ideologia ormai superata di un’epoca di produzione; in un’epoca di consumi, o che pretende di essere tale, sarà la società globale ad adattarsi all’individuo. Non soltanto anticipa i suoi bisogni, ma si prende anche la cura di adattare se stessa non a questo o a quel bisogno, ma addirittura all’individuo personalmente …la Vostra poltrona, la Vostra sedia, il Vostro divano…Nella poltrona…bisogna riconoscere l’essenza di una società definitivamente civilizzata, che ha fatto proprio l’ideale della felicità, della Vostra felicità, e che dispensa spontaneamente a ogni suo membro gli strumenti per realizzare se stesso.

…”L’acciaio, è la struttura”. Ecc. L’acciaio esalta, ma è anche un materiale duro, che ricorda lo sforzo, la necessità dell’individuo di adattarsi – si osservi allora come si trasforma e diventa malleabile, come la struttura si umanizzi…La struttura è sempre violenza, la violenza angosciante. Anche a livello di oggetti, rischia di compromettere il rapporto dell’individuo con la società. Per rappacificare la realtà, occorre salvare la quiete delle apparenze. La poltrona diventerà dunque, passando dall’acciaio al tessuto come per una trasmutazione naturale fatta per piacere, uno specchio di forza e tranquillità. Infine l’”estetica” avviluppa la struttura celebrando le nozze definitive dell’oggetto con la “personalità”.

(…)

La società diventa materna per potere meglio conservare un sistema di obblighi e costrizioni. La diffusione dei prodotti e le tecniche pubblicitarie svolgono dunque un ruolo politico immenso: assicurano perfettamente la sostituzione delle ideologie precedenti, morali e politiche. Meglio ancora: mentre l’integrazione morale e politica non è mai avvenuta senza violenza (è stata sempre necessaria la repressione aperta) le nuove tecniche riescono a evitare la repressione: il consumatore interiorizza l’istanza sociale e le sue norme, nell’atto stesso del consumo.

(…)

Gratificazione, frustrazione: due aspetti inscindibili dell’integrazione “

(J.Baudrillard, Il sistema degli oggetti, “La poltrona Airborne”, 1968)

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sembra un’architettura messa su con la plastilina…

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ma è nientemeno che Tatooine, il pianeta natale degli Skywalker, e forse dello stesso Anakin Skywalker (o perlomeno dove visse da ragazzo)

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ed è un posto che esiste davvero, in Tunisia, e si chiama Ksar Ouled Soltane, un granaio fortificato su una collina nel distretto di Tataouine, con i suoi granai multilevel a volta, chiamati ghorfas, come una delle popolazioni che abitavano (nella saga) Tatooine, raccolti attorno a due corti.

Ah, che fantasia questo Lucas!

Sveglia! sta per tornare la Forza!

(con J.J.Abrams – Lost, Fringe, Revolution…)

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QS(A)R , in generale

insieme di case addossate con sottoportici coperti contro il caldo. Protetto da cinta muraria, ha una sola porta un tempo sorvegliata da uomini armati. Le abitazioni al suo interno in genere sono su tre piani: quello a terra per stalle e magazzini, al primo livello per cucina e servizi vari, al secondo piano per ospiti e padrone di casa: infine vi e il tetto terrazzato per dormire quando e caldo, seccare legumi e frutta, e comodo passaggio da un’abitazione al|`altra. Ciascuno qs(a)r ha una moschea con uno spazio comune davanti alla casa della persona di riguardo che la governa. e si sviluppa da un apporto costruttivo di crescita non pianificata. Gli qs(a)r si trovano di solito al confine tra le aree urbanizzate e gli spazi desertici nomadici; non diversamente dalle case torre sudarabiche.

I materiali con cui vengono realizzati questi tipi di abitazioni sono in genere reperiti sul posto, usando terra pressata su fondamenta in pietra. In terra viene realizzato ciascun elemento: pareti. tetti. pavimenti. sostegni. La miscela è di terra ben dosata con sabbia; altrimenti l’eccesso di terra porterebbe alla formazione di crepe, mentre quello di sabbia allo sgretolamento. Vi si aggiungono paglia o fieno per l`elasticità, ghiaia per la solidità, succhi vegetali o urina per l’impermeabilità.

La costruzione avviene con casseforme di legno dove la terra viene ben lavorata e lasciata riposare per circa un’ora. Le casseforme poi vengono inserite in un impalcatura di legni con l’aggiunta di travi. La decorazione comporta la realizzazione di semplici motivi geometrici, che insieme alla copertura esterna è fatta in mattoni crudi.

Tratto da Anna Spinelli, Arte islamica – La misura del metafisico, Ed.Fernandel, Ravenna, 2008

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Syria mon amour – Il cinema di Mohammad Malas

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“Per la prima volta nella storia dell’umanità, la destra estremista religiosa – islamica, cristiana ed ebraica – domina un’epoca e trasforma le differenze tra civiltà in scontri di forza e di fede. Una destra che disconosce l’altro e, per interessi economici e ideologici, cerca di cancellarlo completamente”

Mohammad Malas è un regista siriano che nei suoi films ha raccontato spesso le città siriane come luoghi d’azione, ma anche come luoghi perduti, delle sue storie, in una Siria schiacciata fra la censura di regime, le tendenze integraliste e oscurantiste e il funesto interventismo americano (e israeliano) in tutto il Medio Oriente. Nella finzione cinematografica viene recuperato quello che nella realtà è andato letteralmente perduto, come ad esempio la sua città natìa di Quneitra, devastata dagli israeliani.

Dopo gli inizi negli anni ’70 come documentarista nella TV siriana (Sogno di una piccola città, Quneitra 74, La memoria), nel 1980-81 cominciò a girare un film-documentario, Il sogno (“al-Manam”) sui campi di rifugiati palestinesi in Libano, (Sabra, Shatila, Bourj el-Barjneh, Ain al-Hilweh, Rashidieh), nel quale chiede ai rifugiati di parlare dei loro sogni. Interrotto dal massacro di Sabra e Shatila del 1982, il film uscì nel 1987, e venne premiato al Festival Internazionale dell’Audiovisivo di Cannes.

Nel frattempo diresse il suo primo lungometraggio, Sogni della città (“Ahlam al-Madina”, 1983), premiato ai festivals di Valencia e Cartagine. Nel 1992 uscì il suo secondo lungometraggio, La notte (“al-Lail”), film autobiografico ambientato a Quneitra negli anni fra il 1936 e la guerra arabo-israeliana del 1948. Primo premio al Carthage Film Festival, il film venne vietato in Siria fino al 1996. Il suo terzo film, Passione (“Bab al-Makam”) uscì nel 2005. Infine, Scala per Damasco, del 2013.

In questa intervista del 2005 (riportata per ampi stralci) Malas parla della produzione dei suoi film, della Siria, della censura, dell’Islam e dei conflitti mediorientali. Tutto ciò che è accaduto dal 2011 ad oggi si può dire che era in nuce già allora, e si riflette nei suoi film.

 

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Intervista a Mohammad Malas, a cura di Silvia Veroli, pubblicata in Alias – supplemento settimanale de ilManifesto, 8 gennaio 2005.

 

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A che punto si trova con la lavorazione di Passione?

…L’idea di questo film ha avuto inizio leggendo in un giornale siriano la notizia di una donna uccisa dalla sua famiglia perché sospettata di avere un amante; sospetto nato dalla constatazione che la donna amava la musica e le piaceva cantare. Mi è sembrato che questo orrendo crimine, questa violenza fornissero diverse importanti indicazioni per un’analisi dell’anatomia dell’odierna società siriana. Ho sentito che quello era il soggetto che volevo trattare. Nelle riprese ho cercato di disegnare, attraverso la storia di questa donna, un “ritratto” della società siriana all’indomani dell’ultima guerra americana in Iraq. Nei miei film precedenti costruivo l’immaginario cinematografico avendo l’”evento generale” quale colonna portante degli avvenimenti nel film. In questo invece ho voluto che la storia della donna e della sua uccisione fossero la colonna portante degli eventi generali che formano l’ambiente, lo sfondo metaforico del film.

Come luogo d’azione ho scelto la città di Aleppo (Halab) – nota in passato per la sua tradizione musicale e canora – per illustrare i cambiamenti avvenuti in Siria, cambiamenti che hanno portato a vedere nel canto un’ambiguità morale che può spingere fino all’estrema punizione. L’uso della camera digitale mi ha permesso di operare con libertà e agilità nel raccontare questa storia, nel rappresentare una società dominata da una mentalità conservatrice e reazionaria nei suoi valori e idee, e nel raccontare un paese in cui l’opposizione politica scompare in prigione nel momento in cui è minacciato dalla guerra. Ho voluto che questo racconto fosse il più vicino possibile a un documentario, e che apportasse una certa riflessione e bellezza; il digitale mi è stato d’aiuto in questo tentativo di rinnovare il linguaggio espressivo cinematografico…
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Nel 1984 ha girato l’opera prima, un film toccante, Sogni della città, in cui offriva, con la rappresentazione del cuore pulsante della città, anche quella del particolare periodo politico di quegli anni…

Quando nel film Sogni della città andai indietro agli anni ’50, riesumando quell’epoca attraverso la città di Damasco, il mio obiettivo era dire che quei sogni da noi allora vissuti, apparivano ormai sogni frantumati…intendo quella pulsione allora dominante la vita politica cittadina in quel periodo di democrazia. Ciò che mi spinse ad andare indietro a quegli anni fu la sensazione che Damasco, all’epoca della realizzazione del film, avesse perso la libera brillantezza politica allora presente nella vita quotidiana della popolazione, e perso lo spazio di vita comune che aveva trasformato il conflitto politico in scontro democratico e aveva fatto sognare alla gente di ogni classe sociale il cambiamento e il progresso. Questo è quanto rievocavo da quell’epoca con una certa nostalgia.

 

Hanno definito la sua opera epico-didattica…

Ho compiuto un lavoro epico-didattico?! Non so! Ma ho tentato di realizzare la “saga” sociale di una città che cominciava a perdere l’anima epica e il diritto allo scontro democratico quando il regime politico iniziò a farla entrare di forza in una “uniforme prefabbricata”.
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E quali sono i sogni della città di Damasco oggi? Come sono cambiati?

La risposta a questa domanda è latente nella sceneggiatura di un nuovo film a cui sto lavorando e che spero di poter girare nel 2005. E’ una sceneggiatura su quello che è successo a Damasco dopo la frantumazione dei sogni…Racconta la storia di un medico che esce da una prigione per politici dopo avervi trascorso 17 anni; parla del suo mondo interiore dopo che la detenzione ha distrutto i suoi ideali, sogni e aspirazioni. Il medico prova a vivere in una città totalmente mutata durante la sua assenza, in un clima generale dominato dal piano americano per il “ridisegno della mappa del medio oriente”, e dalla sfida che la Siria deve affrontare avendo le forze d’occupazione americane sulla sua frontiera est e le forze d’occupazione israeliane su quella sud. Questo ritorno a Damasco è privo d’ogni nostalgia per un tempo e per un luogo…perchè stabilire un rapporto con la realtà è diventato troppo difficile, impossibile.

 

Le sue pellicole mostrano una notevole abilità di montaggio. Sembra riservare a questa fase un’attenzione particolare…conferma quest’impressione?

Certamente, ritengo il montaggio uno strumento tecnico molto importante. La fase del montaggio è il momento cruciale nel dare la forma a ciò che si vuole rappresentare. Per me, il montaggio costituisce la terza “scrittura” del film, dopo quella letteraria e le riprese…Tutti i miei film non sono altro che dei tentativi di rompere la sensazione di estraneità che provo in relazione al mio paese. E’ stato questo sentimento a spingermi a fare dei film che cercano di mettere in luce quello che in questa realtà è andato perduto. In Sogni della città (1984) ho cercato di ritrovare il tempo perduto, cioè quel periodo di democrazia vissuto in Siria negli anni ’50. Nel film La notte (1992) ho cercato di ritrovare il luogo perduto, il luogo privato della mia memoria personale, vale a dire la città di Quneitra, che è stata distrutta dagli israeliani. Così nel film ho ricostruito la città, laddove mi è impossibile ricostruirla nella realtà. Nel tentativo di girare un nuovo film dal titolo Un’altra volta imbrogliati, non ancora realizzato per motivi di censura e produzione, cercherò di ritrovare l’anima libera persa nella vita della gente. Questo progetto costituisce la chiusura di una trilogia cinematografica.

 

Dunque la censura in Siria è un ostacolo reale…

Sì, la censura è un problema fondamentale. La legge non impedisce la realizzazione di film al di fuori del settore pubblico, però è un’impresa ardua. Per cui la sceneggiatura si piega alla censura per ottenere il permesso di girare il film, dopodichè la censura visiona il film per concedere il permesso di distribuzione nelle sale cinematografiche…

 

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Dopo l’11 settembre, i mutati scenari politici hanno portato a una maggiore attenzione per l’Islam e la sua cultura, ponendo gli intellettuali della zona in una posizione particolare, non semplice…

Ritengo che l’11 settembre (e lo affermo col massimo tributo e rispetto alla memoria delle vittime umane), sia una storica messa in scena americana che ha innescato un conflitto con quelle stesse forze fondamentaliste create, addestrate militarmente e preparate, dal punto di vista organizzativo, dagli Stati Uniti d’America nella loro guerra contro l’URSS…così come avevano contribuito alla creazione della rete economica per il finanziamento dell’organizzazione Al Qaeda, attraverso il denaro del petrolio saudita e del Golfo…C’è stata una rivolta della magia contro il mago…e noi dobbiamo ancora una volta farne le spese. Prima dell’11 settembre l’interesse per la cultura islamica rientrava nel normale ambito d’interessi e scambi. Può essere che la cultura islamica avesse meno fortuna nell’interesse generale, o che il suo diritto a interessare fosse come pregiudicato rispetto a quello di cui godono altre culture…Tuttavia questa disparità è dovuta anche a motivi correlati all’arretratezza di cui soffrono la maggior parte dei paesi islamici, all’incapacità da parte di questi paesi di essere presenti e partecipare culturalmente nella vita moderna. L’interesse per la cltura islamica è aumentato dopo l’11 settembre, ma non da un punto di vista culturale bensì da una prospettiva ideologica, arretrata e violenta, che non ricerca la comprensione ma il rifiuto. Questo accresce le difficoltà, i compiti e le questioni che si pongono agli intellettuali islamici e a tutti quegli intellettuali originari di paesi appartenenti alla civiltà islamica…L’11 settembre, che ha offerto alla destra religiosa americana – tradizionale alleata della destra sionista in Israele – l’occasione di egemonizzare la politica degli Stati Uniti, ha portato a un’esplosione di violenza illimitata….Sfortunatamente per la civiltà moderna, la destra estremista religiosa – sia essa islamica, cristiana o ebraica – domina quest’epoca. Una destra che trasforma le differenze fra civiltà in scontri di forza e di fede, che disconosce l’altro, che per i suoi interessi economici e ideologici cerca di distruggere l’altro, di cancellarlo. Mi sembra che tutto ciò non abbia precedenti nella storia dell’umanità fin dall’apparizione delle diverse civiltà sulla terra.

Paura in città

 

paura-nella-citta-dei-morti-viventi-T-lYiUS7Chi l’avrebbe mai detto fino a qualche anno fa? Fino a settembre 2011 per il Banana i ristoranti erano pieni, Sharm el-Sheik pure, e gli italiani erano allegri, spensierati, spendaccioni, un po’ mucillagine, poltiglia inerte, secondo il Censis…La storia si ripete…La paura del disfacimento, della putrefazione, del contagio genera ossessioni di igiene totalitaria: pulizia, disinfestazione, derattizzazione…filo spinato…muri…

 

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“Nessun segno di riflusso allora…”

“Sì, qualcosa che ha a che vedere con la paura. La gente non sa cosa succederà domani. Quindi si rinchiude in se stessa e conserva ciò che è riuscita ad accumulare fino a oggi. In America, come nel mondo, non ci sono più leader. Non c’è più nessuno a cui la gente possa guardare dicendo: “quello ha ragione”. Forse a Cuba esiste ancora qualcosa del genere…Forse sarebbe diverso se Kennedy fosse vivo. La paura è malattia: la middle class tende a diventare fascista. Negli anni Trenta le Unions (i sindacati) erano di sinistra, gli operai erano di sinistra. Oggi la classe operaia è diventata middle class e le Unions sono di destra. Oggi gli unici radicali che continuano a lottare sono le donne e gli omosessuali, anche i neri oggi sono diventati middle class”

Jerry Schatzberg, regista di Panico a Needle Park, Lo spaventapasseri, La seduzione del potere, L’amico ritrovato; intervista in Hollywood 1969-79, Marsilio

 

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Campari – Eva Green

Se la marijuana fosse bevibile, piuttosto che fumabile, potete star certi che sarebbe stata legalizzata in Italia da moltissimo tempo 🙂

 
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In un certo senso si può definire Eva Green un’attrice citazionista. Infatti da The Dreamers (di Bertolucci, 2003) a Penny Dreadful, passando per James Bond, 300, Sin City prequel & sequel etc., non c’è film o serie che non sia un pastiche di citazioni, al punto che anche la Green cita se stessa di film in film,  e la pubblicità Campari non è che l’ultima citazione. Le sue tipiche espressioni facciali, lo sguardo tagliente, la piega delle labbra, la fronte alta, una sottile vena di amarezza, sono rimaste quasi invariate in dodici anni, solo riadattate. Il resto lo fanno il trucco, le luci e le ombre.

 
 
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L’azienda inizia in un piccolo bar di Novara: il Caffè dell’Amicizia, acquistato da Gaspare Campari nel 1860 e dove, in quegli anni, nascerà e si perfezionerà la ricetta di Campari, rimasta invariata da allora   (http://it.wikipedia.org/wiki/Campari)
 
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Una strega? Dov’è il tuo daimon?

 
 
 
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Anacronisti o Anacronauti?

 
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Isabelle legge Isabelle

 
 
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Follie del Varietà – Tra le due guerre (Goffredo Fofi)

Concerto delle Varietà

“Di dove viene il fascino che accompagna le vecchie fotografie del teatro “minore”, i ricordi e le autobiografie degli attori, l’occasionale sbirciata su qualche canale televisivo secondario a un film che riproduce momenti e “numeri” del café-chantant o della rivista, l’occasionale ascolto alla radio di una vecchia canzone orchestrata alla moda di un tempo, con le voci alla moda di un tempo ? …Lo stesso non accade col teatro “maggiore” e, al cinema, non accade certo per tutti i tipi di film, e certo non sempre con quelli d’”arte”. E’ forse il kitsch di cui tutto questo si riveste per il solo fatto di essere passato, specchio deformante di un passato? O piuttosto, molto più semplicemente, è che i gusti di un’epoca ce la rivelano, l’epoca, più dei libri di storia e delle testimonianze dei politici, è che i modi di divertirsi e di evadere ci danno il sapore del tempo più di ogni altro elemento del costume collettivo, e costituiscono per noi, posteri, il suo costume?” (G.Fofi, prefazione alla Parte prima, “I fasti del Variété”, in Follie del Varietà, Feltrinelli,  p. 9).

Copia di Salone Margherita

“Il rinnovato interesse dei nostri anni per la tradizione comica e popolare italiana ha qualcosa di sconcertante. Ciò che è morto ben difficilmente può essere richiamato in vita, ma evidentemente acquista con la distanza un fascino che gli deriva dal confronto con ciò che è. I lasciti indiretti o diretti di questa tradizione, le sue influenze, sono stati molti: alla rinfusa, la commedia di costume cinematografica, Carlo Cecchi, Dario Fo, perfino Carmelo Bene e Leo e Perla, i gruppi tra musicali e spettacolari napoletani, i Legnanesi e gli spettacoli di travesti diventati con gli anni Sessanta moda universale di parodia gay alla storia della rivista…” (G.Fofi, prefazione alla Parte quarta, idem, p. 359)

festival

Il volume Follie del Varietà (1890-1970) pubblicato da Feltrinelli nel 1980, a cura di S.De Matteis, M.Lombardi, M.Somarè, con prefazioni di Goffredo Fofi), è una grandiosa antologia di testimonianze, vicende, personaggi, saggi su quel fenomeno di teatro “minore” che raduniamo sotto il nome di “varietà” (con i suoi sottogeneri), dalla fine dell’Ottocento fino al 1970 attraverso fascismo e dopoguerra, dai fasti ai nefasti fino ai ripescaggi retrò. A fine anni Settanta non soltanto buona parte dei media, delle TV private, dell’industria dello spettacolo, ma anche una parte dell’intellighentzia “di sinistra” premeva per una riconsiderazione delle culture “minori”, provenienti “dal basso”, “non colte” che in precedenza, nel periodo della Contestazione, sarebbero state bollate come reazionarie, manipolatorie, alienanti. Sia pure in pieni “anni di piombo”, una sorta di “guerra interna” maturata nel ventennio precedente, sembrava che il presunto “realismo socialista” del periodo precedente fosse da accantonare, in modo da rivalutare, almeno sotto il profilo critico, tutto ciò che era stato iconoclasticamente condannato. La critica alla “società dello spettacolo” adesso si ribaltava in una premurosa attenzione a tutto ciò che c’era di “positivo” nello spettacolo. Ma quella delle arti “minori” non era l’unica rivalutazione di quel periodo. Basti ricordare che allo stesso tempo venivano “rivalutati”, per esempio, i film di Leni Riefenstahl, con grande disappunto di Susan Sontag (“Fascino Fascista”, in Sotto il segno di Saturno, 1982), oppure gli autori “maledetti” del fascismo stesso (Ernst Junger, L.F.Céline, P.Drieu La Rochelle, E.Cioran, Ezra Pound, per non dire di J.Evola o di Mircea Eliade). Era in opera una gigantesca rivalutazione di tutto ciò che era “retrò”. E allo stesso tempo c’era, in maniera meno sofisticata ma non meno brillante, la riproposizione dell’evasione come cultura dell’effimero da parte di Renato Nicolini con la sua astuta e fortunata proposta delle Estati romane, proliferate poi a macchia d’olio su tutto il territorio nazionale per tutti gli anni Ottanta e i decenni successivi. Insomma, un periodo, quello di fine anni ’70- primi anni ’80, di drammatica tensione ma decisamente volto a stemperarsi in una più “italianesca” riconciliazione sotto il segno del retrò e del vintage, prima ancora dell’invasione della tv berlusconide, molti anni prima che cabaret e burlesque ridiventassero “di moda”. Almeno sotto questo aspetto, gli “italiani” avranno sempre qualcosa da insegnare al “mondo intiero”!

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TRA DUE GUERRE

(G.Fofi, Follie del Varietà, pagg.95-96)

Se, come dice Odoardo Spadaro, “con la guerra si è cambiato rotta”, il dopoguerra proporrà un cambiamento ancora più grande con l’avvento del fascismo: la satira politica scomparirà dalle scene, il dialetto verrà osteggiato per legge, i criteri dell’evasione piccolo-borghese domineranno, con la loro pesante e superficiale patina di perbenismo. E tuttavia il cambiamento non è stato solo voluto e imposto dal fascismo, ma era forse nell’aria e il teatro se lo è imposto da sé, come negli anni Trenta se lo imporrà il cinema. L’intervento censorio è in realtà canalizzato, per volontà superiore mussoliniana, secondo un criterio di fondo: evitare di parlare di politica e di quant’altro alla politica del regime potesse direttamente richiamarsi, sia in pro che in contro, e favorire invece la mera evasione, il bel garbo dei “telefoni bianchi” o dei duetti Melnati-De Sica nella Za-bum o delle commedie di De Benedetti.

Questo criterio non sarà dato una volta per tutte, e dei cambiamenti sono documentabili. Dapprima il regime sembra favorire una funzione di propaganda anche del teatro di rivista, in senso più nazionalistico che direttamente fascista (Trieste, le sanzioni…) ma di fronte alle trasformazioni della stessa politica fascista (soprattutto internazionali: ci sono sketch antitedeschi nel periodo dell’Anschluss ritirati di corsa dopo la nuova alleanza) si preferisce espungere la propaganda diretta dai divertimenti del regime, riservandola alla radio e ai cinegiornali che invece da essa saranno totalmente condizionati e a essa asserviti. Il censore teatrale Leopoldo Zurlo, più “signore” napoletano che non fascista in orbace, si attiene alla decisione mussoliniana secondo la quale nelle cose frivole, per definizione, come il teatro di varietà e di rivista, le cose “sacre” (il fascismo) non vanno neanche nominate, non ci vanno mischiate.

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E tuttavia con la guerra c’è un terzo tempo della censura fascista, costretta ad allentare le redini e a tener conto dei disagi crescenti e della crescente lamentela, se non protesta, della popolazione. Dal ’39 tessere e bollini, oscuramento, treni o autobus di nuovo in ritardo e sovraffollati, servizi scadenti e carovita diventano in modo più o meno scoperto i temi centrali della comicità rivistaiola, trovando in alcuni autori (Galdieri, Nelli e Mangoni) e attori (Totò, Taranto) una prontezza a coglierli che fornirà al pubblico occasioni di sfogo a non finire – rivive infine nuovamente la regola del “buffone di corte”, della comicità permessa come scarico alle insofferenze sociali. Ma prima, negli “anni del consenso”, tutto è rosa e semmai, dietro il rosa, opera con un bromuroso annacquamento della comicità e con il contorno di un lusso irraggiungibile, in una rimozione costante della realtà, la quale potrà esprimersi, e poco, solo in certi film di Camerini e in certe riviste degli autori citati, trovando invece nei copioni teatrali e cinematografici “ungheresi” o nei copioni scipiti delle riviste di Macario e della Wandissima (Wanda Osiris, ndr) i più raffinati meccanismi di sublimazione.

Con la guerra, torna nel teatro “minore” il vento di uno scettico qualunquismo protestatario, che assume, coscienti o no i suoi autori, qualche significato “di sinistra”. Col dopoguerra, dopo l’esplosione scatenata dalla Liberazione, e già con i nuovi copioni di Galdieri e con il “Soffia, so’” (che voleva dire, da Roma, “Soffia, soffia pure, vento del nord, ché tanto, qui, ce ne freghiamo altamente”), nuovi e più virulenti significati “di destra”.

(…)

Copia di totòTotò interroga il suo tablet

Non sempre il passaggio dal “povero” al “ricco” è conformismo e rinuncia (Viviani, i De Filippo, Totò). Ma certo il pubblico è diverso, quello del Dal Verme e del Sistina non è quello dell’Ambra Jovinelli e del Salone Margherita: ha la pancia piena, o quasi, e chiede qualcosa di diverso da ciò che l’altro pretende: lusso e decoro e una volgarità sotterranea, da ruttino postprandiale; altra da quella di chi la pancia l’ha vuota. I punti di contatto offerti d questi grandi nomi tra due culture e due pubblici spariscono negli altri: di qua Macario, la Za-bum, Dapporto (e i Falconi, i Gandusio, le Galli della prosa “leggera”), di là Fanfulla e i Maggio, Riento e Tina Pica, il primo Sordi e il primo Rascel e i De Rege. Per costoro l’invenzione e la sperimentazione, sia pure nella progressiva definizione di una maschera o di una macchietta rigide, sono obbligate dal pubblico rumoreggiante e, come loro, affamato, mentre per i primi la ripetizione è norma, e si tratta semmai di variare il pretesto e lo sfondo, di aumentare il numero di girls, di allungare la scale, di moltiplicare i metri di tulle e di organza.

Anche in questo c’è “arte”, un artigianato che è scuola e mestiere, una spettacolarità che deve però corrispondere al tempo e alle esigenze dei sogni di piccolo benessere. I ricchi, in Italia, non sono ancora legioni, e la rivista è il lusso del sabato sera – come i film di Greta e di Gary, e i loro anch’essi esotici, lontanissimi paradisi.

L’evasione, il divertimento, hanno trovato dagli anni Venti un rivale grandioso al teatro, a tutto il teatro. La rivista si pone in concorrenza con il cinema, offre divi in carne e ossa, seppure autarchici. L’avanspettacolo, e già il suo stesso nome lo certifica, con il cinema scende a patti, cerca di allearsi. Al pubblico più povero e più marginale offre, assieme all’evasione del film, la realtà di copioni abborracciati, di comici ben presenti e riconoscibili, di ballerine magari un po’ sfatte ma di carni vistose e vicine. Da un lato, l’avanspettacolo, figliato dalla rivista, rifornirà continuamente le compagini del cinema nazionale con nuovi talenti e nuovi umori; dall’altro offrirà al pubblico “non abbiente”, cui la rivista ha voltato le spalle, una partecipazione che il cinema non potrà mai dargli. Il cinema è lontano, offre un onirico e sublimante sfogo all’immaginario più ardito, mentre l’avanspettacolo riporta con i piedi per terra: le luci del proscenio non nascondono le facce della sala, e tra pubblico e sala c’è lo strizzar d’occhi di chi si capisce e si intende, e tutto riporta a una materialità pesante, dove il “fuori” è vicino, e a esso, alle sue difficoltà, dopo mezzora o tre quarti d’ora di rumore e musica e risa dovranno tutti tornare, gli spettatori come gli attori.

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Il blu è un colore caldo – Julie Maroh (Adéle 2)

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«La vita di Adele in linea di massima funziona, ma non mi piace la sessualizzazione che è stata fatta del rapporto lesbico. Però quando si propone qualcosa al pubblico bisogna lasciarlo andare, e non posso considerare il film un tradimento perché è una cosa altra: il libro non va cercato nel film, come questo non si trova nel fumetto, sono due plausibili versioni della storia di Emma e Clémentine. È però la prima volta che un soggetto lesbico ha un successo del genere. E anche questo è un avanzamento». (Julie Maroh, autrice del fumetto Il blu è un colore caldo al quale si è ispirato Abdellatif Kechiche per il suo film La vita di Adèle, http://caffeletterario-bologna.blogautore.repubblica.it/2013/10/31/lottimismo-di-julie-maroh/)

 

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Quasi mai i film corrispondono ai romanzi, racconti o fumetti cui dicono di ispirarsi. E non a caso anche La vita di Adèle si dice liberamente ispirato al fumetto di Julie Maroh. Molte scene, soprattutto nella prima parte, corrispondono. La lettura in classe de La vita di Marianne di Marivaux sostituisce la lettura del diario di Clémentine (il nome di Adèle nel fumetto) da parte di Emma. C’è un punto però in cui il racconto cinematografico si distacca nettamente da quello fumettistico, ed è segnalato da quella che appare una vistosa lacuna, fra il culmine della passione erotica, con grandi dichiarazioni d’amore eterno, e la successiva festa in cui Emma all’improvviso snobba vistosamente Adèle, lasciandola da sola a cucinare, preparare, servire e lavare piatti mentre lei conversa amabilmente con Lise, la pittrice incinta che diverrà successivamente la sua nuova compagna. In cinque minuti lo spettatore viene trasportato da uno stato d’animo all’altro, senza che vi siano sufficienti motivazioni psicologiche per questo brusco cambiamento.

 

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Questo passaggio viene allora spiegato come dovuto al fossato che separa le due ragazze in termini di ambizioni sociali e culturali. Potrebbe essere anche spiegato in termini psicanalitici, di rapporto madre-padre discendente culturalmente dalle rispettive famiglie. Di qui la preferenza accordata da Emma per Lise per una genitorialità differente: “è la mia famiglia”, dice Emma ad Adèle, rivedendola qualche anno dopo. Ma qui si andrebbe un po’ oltre le reali intenzioni di Kechiche, il quale su questi aspetti privilegia sempre il suo stile che si riversa nell’intensità (e durata) delle scene (la sequenza della festa dura 13 minuti), e sulla distanza sociale delle protagoniste. Una volta data questa indicazione di crisi della passione amorosa, l’ultima parte del film non è che un’insopportabile agonìa e solitudine da parte di Adèle, per sua fortuna controbilanciata dalla sua dedizione all’insegnamento. Nuovamente espulsa, nuovamente da sola, nuovamente sulla strada. Come direbbe di sé lo stesso Kechiche.

 

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Quel che Kechiche non tratta, in termini di dettagli psicologici, bisognerà allora cercarlo nel fumetto della Maroh. La differenza cui allude evidentemente non è quella sociale rimarcata da Kechiche.

«parlare di autobiografia è riduttivo: compio un lavoro attoriale sui personaggi, ne delineo i caratteri e mi ci immergo per comprenderli fino in fondo…è una storia che mostra come sia difficile scoprirsi. Spero che l’adolescente, leggendola, si accorga che non è solo. Di fatto il problema è scoprirsi differenti, nella difficoltà di una relazione amorosa» (Julie Maroh, idem)

 

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Nel fumetto in realtà non c’è nessuna Lise, semmai c’è Sabine Decocq, la ragazza dai capelli corti che vediamo abbracciata a Emma sulla Grand Place, quando Clém la incrocia per la prima volta. E la ritroviamo anche al pub gay. Sabine è una persona molto importante per Emma, perché è la grafica promotrice del gruppo di artiste e artisti omosessuali della città. Emma non si decide a lasciarla per amore di Clém, e quando finalmente, dopo molti dubbi e resistenze, fa il grande passo, con suo grande stupore Clém fugge via. Rivedrà Emma dopo più di un mese, mentre l’aspetta per strada, seduta per terra, che le chiede di restare insieme “tutte le restanti notti della mia vita”. E così fu. E inizia la vera e propria convivenza di Emma e Clém, che vivranno insieme “felici e contente”, non senza qualche angoscia, per circa 10 anni, fin quando una scappatella di Clém col collega di scuola Antoine spingerà una furente Emma a cacciarla di casa, nel modo in cui è stato descritto anche nel film, ma con una differenza assoluta di epoca e di contesto. Clém si ammala, “si lascia morire” a casa di Valentin, l’antico amico gay del liceo. E sarà proprio Valentin a farle rappacificare, facendole incontrare in riva al mare. Clém è gravemente ammalata, e proprio quando finalmente riassapora l’amplesso con il suo amore eterno, il cuore cede. Scherzosamente l’aveva detto in precedenza: “Non avrei mai creduto che potesse diventare sempre più bello. Se esiste uno stadio successivo, dev’essere la morte. Orgasmo mortale! Niente male per la lapide!…”. Inutili le cure in ospedale. Non resta che la memoria, il diario di Clém, e la riappacificazione con la madre: “Forse l’amore non è eterno, ma ci rende eterni. Dopo la nostra morte, l’amore che abbiamo destato continua a compiere il suo cammino”.

 

 

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L’epilogo, purtroppo tragico, nel fumetto, avviene dunque quando ormai Clém ha 30 anni, e vede chiaramente la distanza fra la realtà presente e i suoi sogni di adolescente. La vicenda adolescenziale, tormentata, contrastata, appassionata, occupa la parte preponderante, mentre l’epilogo rappresenta in qualche modo la chiusa inevitabile, il compimento ineluttabile, di un amore che non avrebbe potuto essere eterno se non nella morte, se non tramandandosi nell’estremo sacrificio di sé. Tutte le indecisioni, i turbamenti, i dubbi, le resistenze, le sfide, gli intralci, i pregiudizi, i ritardi, da ambo le parti, non sono che prove di raffinamento, di perfezionamento dell’amore, che non riesce a risolversi né nel sesso, per quanto appassionato, né nella convivenza, ma che restano passaggi fondamentali, stadi successivi, verso l’eternità sognata da adolescenti.

 

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“Ma tu mi hai già salvata, amore mio. Mi hai salvata da un mondo costruito su pregiudizi e su una morale assurda. Mi hai aiutata a realizzarmi pienamente. Nessuno è colpevole per ciò che sta succedendo ora”.

“Porto con me i miei ricordi più belli, la maggior parte dei quali vissuti con te, le nostre risate, il nostro amore…il blu del tuo sguardo e il blu dei tuoi capelli che hanno ossessionato le mie notti di adolescente, per tutto il tempo in cui ti ho amata senza osare farlo. La vita che mi hai offerto non avrebbe potuto essere più bella…”

 

 

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